为什么你的钢琴弹的不好？看完这位学琴奇女子的学习笔记你就知道了！

“我只是一个普通的钢琴教授，但我代表着不同的文化，这种文化正是中国学生所需要的。我不能评价谁教的好与不好，对与不对，但我能告诉你，怎样才会更好！”

——贝斯勒教授语录

序

贝爷爷自2010年，每年都会不辞劳苦的来到中国，定期稳定的开设钢琴大师班。这位德国柏林音乐学院前钢琴系主任，克劳斯.贝斯勒（KLAUSE BAESSLER）堪称德国钢琴教育的泰斗。他培养的多名中国学生已经在德国高等音乐学府和中央音乐学院，中国音乐学院，上海音乐学院等多所音乐学院任教，并均成为知名教授。而这篇文章的作者：赵婕女士，是众多学生当中的一名，也是唯一一位并没有从事钢琴事业的，技术高超的，业余的好学生。她仅仅因为对钢琴艺术的热爱，自2010年以来，一直追随贝爷爷的大师课，从未间断，从而和贝爷爷建立的深厚的友谊。而今，她凭借自己高超的感悟能力，对贝爷爷的大师课，做了详细的记录分析。今天，小编就要把这最珍贵的第一手资料，分享给大家！希望小伙伴都耐心看完这位学琴奇女子的宝贵学习笔记，也许你就知道，同样是一节钢琴大师课，她得到的和知道的，必定比你多的多。

莫扎特奏鸣曲K457 – 贝斯勒先生大师课

贝爷爷说：你已经把这部作品理解了、吸收了，已经不再是一直 Bla Bla Bla… 而且有的地方弹的特别好、特别舒服，但是有的时候有点儿不太确定。正常来说，如果一个中国人想弹一个音阶的话，他就弹一个音阶，但从作曲家的角度来讲，这个世界上没有音阶，而是一个音乐的线条——你必须一直思考：这个旋律要“去哪儿”。“要去哪儿”的问题，意思是：“这个旋律你要走到哪个音上？”

音乐里没有任何一个部分是让你练手指头的，都是有意义的。

另外有些问题，比如你的连线：连线不等于乐句，并不是一个连线结束你就必须要抬手。莫扎特、海顿等等作曲家的奏鸣曲，他们的乐句并不是用一个整个的连线来表示。比如莫扎特奏鸣曲K570一开始那么多小连线，但并不等于一个小连线就是一句话。你做的也是对的，把每个小连线的“连线感”给做出来了，但是你要从音乐的宏观去思考——从大的乐句去想。

罗马尼亚一个指挥大师，乐团让他拿节拍器把速度确定一下，他就疯了，把节拍器给摔了。就是说：指挥家在表演前会给乐团一个速度，但是我们演奏钢琴的时候是没有人给我们速度的。——意思是说：我们心里必须有个思路：节奏的思路，心里的节奏要完整：打合拍。不要太“碎”，一拱一拱的，像节拍器一样。（我就是拿节拍器给练的）。老师说：你都把节拍器的速度给“吃下肚”了，你弹琴的效果就像汽车的雨刷器一样，一板一眼。

我比较有感触的是：贝斯勒大师先在心里找好自己想要的速度，然后看看在节拍器上是多少；我的做法正好相反，我把节拍器调到一个速度，然后让自己去跟着跑。这样是弹不出自己的音乐来的。

右手拇指、食指和左手容易砸出重音，所以更应该注意手的控制。我们的手其实不是为钢琴而生的——拇指、食指是最粗壮有力的，但是很多时候弹的是伴奏；三、四、五指是没那么灵活的，而且三、四指还连在一起，独立起来非常困难，但是常常是优美的旋律。钢琴的构造也是这样：低音琴弦又粗又长，但是总是伴奏；高音琴弦又短又细，但是总是旋律。

触键方法：很多很多种。你想要短促、有弹性的声音（如：肖邦练习曲Op25-Nr2主旋律，以及含有和弦大跳的音乐段落）就多用一点儿指尖；你想要歌唱，就多用一点儿指肚，再加上一点儿手臂的力量，让声音绵长。

你要自己会感受、总结：不同触键方式都有什么样的、不同的感觉；产生什么样的、不同的效果，是legato？staccato？（staccato里还能分成短的、长的）还是各种各样其它的效果？你不可以混在一起。如果没有做到的话，就不会有很好的“声部感”和“段落感”。你总是要考虑怎么从一个手指到另一个手指上，怎么把声音连接起来，把音乐推向前进。这就像中国古老的建筑，比如故宫，它没有铆钉，而完美的镶嵌在一起，可以屹立千年。我们的音乐也是这样的，这就是你需要练的东西。你要思考“我应该怎么练”。这是一种很细微的肌肉的感觉，要用心去体会。大师做了很多、很多、很多尝试，这就是为什么他能够找到想要的。

中国人的坏习惯：为了把高音旋律连起来，四指和五指在琴键上 不停的乱换。

莫扎特会写一些非常伤心的段落（如第一乐章44到56），过后会有安抚、抚摸，告诉你其实事情没有那么糟（如57到64以后），要继续欢乐。这就是莫扎特的音乐。“痛苦—释然”。

第一乐章

1. 练习速度：八分音符 = 144；演奏速度：八分音符 = 152

2.节奏感：你用节拍器打拍子是八分音符敲一下，但是演奏的时候，心里要四分音符（甚至一个小节）一打（合拍）。不然音乐听起来就一拱一拱的。

3.Molto Allegro 是非常快的意思，但是这也只是Allegro，而不是Presto。

4. 第9小节右手：高音是长笛，中音是双簧管。高音线条要明确、连贯，指法：5-5-5-4。不要听起来就是呆呆的四个音。小拇指不要抬起来，要轻轻滑过去。（听老师的示范，那个声音，每一个音的凝聚力都比我的强，都非常“精神”，我的就不那么“精神”，我弹的声音是涣散的——好像是下键方式有问题）。老师示范：9~12四个小节的连线，里面的音要非常圆滑，不要楞楞的、一个是一个的，要温柔、连贯。非常、非常连贯，就像一个管乐器一样。另外，高音虽然没写连线，但是也是一个完整的线条。

5. 第36小节起：

Ø  踏板怎么没了？练琴的时候设计好的东西，演奏的时候忘了可不行啊。

Ø  36~37小节，高音部分应该弹成一个完整的连线。

Ø  36~43小节：脑子里应该是一段对话，可以是一位绅士、一位淑女，但是你弹的那个女人没那么漂亮。

Ø  左手太响了！像秒针一样“踢踏踢踏”闹个不停。

Ø  右手高音旋律不要乱出重音，注意36小节高声部第三个音Re。出重音的原因：拇指没有很好的控制。

Ø  注意触键方式，主旋律非常歌唱，要慢慢、轻轻的抚摸琴键、用臂力推向琴键深处。（大师对比了这一句和肖邦练习曲Op25-Nr2主旋律触键方式的不同）。

Ø  给出重量如果不均匀的话，音乐就切断了，而且在听的人来看，你做了“太多表情”这些表情是没有必要的，和音乐是没有关系的，所以导致音乐也不是“好的音乐了”。

Ø  右手从36开始第一个音的触键、发声就要非常注意。之后每个音都要非常注意。就像管乐器，你不能吹一个音，就给一次力；吹一个音，又给一次力，那声音就不可能连贯起来。

6. 思考触键方式带来的不同手指感受和声音效果。

7. 第44~45小节：

Ø  右手四个八度音上行，大师建议最应该强调的是最后的降Re，音乐要走到那儿去。大师说我已经找到了这个乐曲的表情，但是应该再“给过去”一些，艺术张力更强大一些。

Ø  右手声音不要太楞；左手不要太响。

Ø  注意高音声部指法：4-5-5-4不要乱换。

Ø  这四个音：就像德国人见面握手，一定是非常有力的握手。你不可以轻飘飘的了事。所以这四个音也应该是坚实有力的。

8. 44~45小节与46~47小节是对话的关系

Ø  大师问46开始的这个旋律要“去哪儿”？

Ø  左手：47小节结束，抬手，48小节开始。

9. 右手：第50小节最后一个音；第51小节第一个音，都是重要的，要强调。

10. 第51~55小节：

Ø  听上去像冲厕所。不好。

Ø  51小节：不要做多余的动作，简单、直接地推下去。

Ø  51、52左手和弦不要太响。它们起到的是和声的作用，它们属于一个和声关系，为了把音乐延续下去。听到的应该是右手的第1个音。

Ø  大师设计的走向：51渐弱、52、53、54、55上行渐强，听起来自然、有张力。中间注意不要出任何重音。逻辑：先收再放，产生张力。中国人总喜欢突然开始就爆炸，然后很粗暴的一直把个音阶砸完。

Ø  51小节：不要很认真的弹完第一组之后，后面几组就萎靡了、没声儿了。都要认真弹。

Ø  左手：52小节结束，抬手，53小节开始。

Ø  53小节第1个音强调。这是这一大串旋律的终点。

Ø  53小节左手低声部那个音（就是安吉拉老师删掉的音），大师说他相信Urtext，所以不要删掉，而且他觉得这是和声里的一个组成部分，是一个四六和弦转位。但是不能砸的很强、很难听，要融入音乐里面去。（为什么大师随便看看谱子，里面的和声关系连数字都能说出来？）

Ø  下行线条：三个音一组，一层一层的下行，这个台阶不要太明显，不要摔下去，要宽一点儿、缓一点儿，但是层次清晰有致。我弹的太窄、太小气，而且声音有点儿做作。这个不是三连音练习、也不是琶音练习。不要弹成中式手指练习。没有任何一个部分是让你练手指的。不是车尔尼、哈农。如果你弹成这个样子的话，听的人就会知道，“莫扎特的音乐不是这个意思”，莫扎特在这里有个非常大的情感起伏。这是一个非常具有音乐性的句子。里面有困惑、彷徨、无尽的思索、甚至是“想不开了”、“钻牛角尖了”，在这样的痛苦里走到56，之后57就好像妈妈，给你安慰，让你不要想不开。（你演奏的时候，要表达这种困惑，再表达一种释然）。莫扎特会写一些非常伤心的段落（如44到56），过后会有安抚、抚摸，告诉你其实事情没有那么糟（如57到64以后），要继续欢乐，这就是莫扎特的音乐。必须找到一个“情绪点”，这样你才能把听众带入到你的音乐、作曲家的音乐当中。当然有时候别人的想法和你的不一样，但是你有权利来决定你自己的诠释、什么样对你来讲是好的，每一个音乐家都要自己去寻找。

11. 第56小节右手两个音都用3指弹，总体再给多一点儿。第二个音降Mi比第一个Do多一点儿。到这儿的时候已经在情绪上濒临崩溃了，想从窗子跳出去了。之后57就好像妈妈，给你安慰，让你不要想不开。（你演奏的时候，要表达这种困惑，再表达一种释然）。注意：56这两个音之间不要大喘气，要走下去。可以弹的再宽广一些吗？

12. 之后57：中国人的方式：一有音阶，马上就弹成音阶了。就像他家的猫咪，一看见飞的东西，马上眼睛瞪大，蓄势待发，准备去追。

13. 第57~58右手，

Ø  你要“去哪儿？”我说：要去第2个降Mi上。这句音乐线条，你必须一个音到下一个音，逐渐变得饱满。而大部分中国人都会在走到58小节第1个音的时候，把线条断开，给个突强。很不好听。

Ø  第2个降Mi要稍稍给多。

Ø  要像小提琴一样圆滑、柔媚。大师弹的legato非常好听。（注意区别）

Ø  这句音乐线条，就像你搀着老爷爷的手，把他带过去。你要想想，大师已经75岁了，很老了，他不能走的很快了，所以你要慢慢的带着他走。你弹的就像把他推过去了。

Ø  58两个降Mi中间不要大喘气，要非常自然、简单的直接过去。这就是整个艺术。

14.第75小节起：

Ø  手指不够灵活，大师让我弹78小节，我说什么也动不了，之后还是从75重新开始。

Ø  哪怕是单拿出来的一个小节也要有味道。

Ø  走到82，不要乱喊乱叫，没有一个歌手是这么唱歌的。这句是非常有表现力、非常丰富的。不要一看见连线就砸下去。

Ø  右手：82小节结束，抬手，83小节开始新的乐句。

15.和你聊聊Forte应该多大声音（如83小节）？弹了多少年钢琴了？从五岁。现在大师是个四岁小孩，你怎么教给他，Forte应该多大声音？告诉你，有一百万种不同的Forte，一百万种不同的Piano，一百万种不同的pianissimo 。一个画家，画一幅画不能只用六个颜色吧？他要把绿色、黄色、黑色混在一起，混成一种新的颜色来作画。而且你不能说这是“红色”、“绿色”或者“黑色”，因为这是一个崭新的颜色。那么，83小节的Forte和乐章开头的Forte是一样的吗？不一样啊，但是听你弹就是一样的。你弹就是有些粗硬的，像一个专权的妈妈。大师的太太就是一个特别专权的人，但是他不是（笑）。

16. 第83小节开始，必须在Forte的范围里来演奏音乐。83、84主题动机（上）是小提琴；85、86主题动机（下）是低音贝斯来了；后面跟着比如铜管乐器；之后小提琴又来了。可以这样想想。

17.第83小节起：左手：一组一组弹，指尖触键。要均匀、轻盈。每组第一个音比较重要。数数：123456。不要再中间乱出重音。

18. 第85~86左手：注意触键方式、手腕手指的配合。而且注意节奏绝对准确，不要在最后（即86左手两个音）慢一慢，一个表情扭一扭。直接按节奏弹，简明、清晰。就这么简单。

19. 大师调理过后的83~94又干净，又迅捷，又有激情。

20. 第95~99小节：

Ø  这是一个非常大的矛盾点。左手、右手部分是两个完全不同的世界。就像对话一样。彷徨、困惑、迷茫。之后主题爆发式再现。

Ø  99小节的延长休止符号，不要休止一顿饭的时间，太长了。这也算是一个非常不好的“表情”。这个中间不可以吃饭睡觉打呼噜。

Ø  99右手最高音不要太响。

21. 实际上这部分是不难的，需要的是你的想象力，你大脑里的fantasy。而不仅仅是forte或者piano。重要的是正确的来找到你自己的感觉。你要知道你想要表现什么。你要把想要表现的东西弹给你的听众，他们会跟着你的情绪去起伏，回到家还会继续想。这是我们每个音乐家的任务。而不是大家对你很友好、大家买票给你钱。

第二乐章

1. 练习速度：八分音符 = 56；演奏速度：八分音符 = 64

2. Sotto voce 的意思是“一半的音量”含有“踩左踏板”的暗示；它和 una corda 一样。我问，那是要一直踩弱音踏板吗？大师说：不是的。这个踏板时可踩可不踩的，要凭你自己的感觉。而且到了第2小节是Forte所以也不能一直踩着。当然还有，如果你经常踩左踏板的话，琴里面会有声音的，也很不好听。Sotto voce只是一个建议或者提示，让你知道这个音乐应该怎样的流淌。作曲家会想很多办法，尽可能的把想表达的意图写出来。而且每个表演者也有自己的想法。

3. 第1小节起：

Ø  前两个音要自然过渡就像叫妈妈，第1个音多一点儿，第2个音少一点儿。第2~3音两个so第二个比较重要，这样音乐才能更自然的往下走。不要非常生硬的弹。（我弹第一个音，老师说“好”，弹第二个音，老师说“可以”，这种精神，还有细致、严谨对待艺术的态度让我非常感动。）

Ø  前两个音要有联系，这种音程有种紧张度在里面。（这种从高至低的两个连在一起的音）在大师的指导下，我的音乐也变得有血有肉，像西方油画上的裸体美人或者天使。

Ø  大师不让我踩左踏板。

Ø  左手：你是个小骗子！—— 诸如此类的阿尔贝蒂低音，大师不建议我对第1个音做延留处理。不延留也可以弹出连贯、好听的效果。

Ø  不要弹的干巴巴的，要歌唱，要有色彩。

Ø  你为什么总看谱子呢？如果不看的话，耳朵就更可能好好的听你自己的音乐了。别怕弹错音。你甚至可以闭上眼睛去仔细的听。

Ø  两只手：第1小节结束（是一小句的结束），抬手（踏板也要抬起来），第2小节开始（新的音乐含义的开始）。第1小节过渡到第2小节的时候，动作要简单，不要“太性感”。没有那么多表情。

Ø  这几个音，手在每个弹完一个之后，都要很快把下一个音准备好。不要乱做其它动作（在手腕上乱挽花）

Ø  注意平稳的呼吸。

Ø  要“提气”，声音像敲在瓷器上一样圆润，而不要感觉蔫蔫的、没精打采的。

Ø  注意第2小节的fort向piano的过渡和变化。

4. 第2~3小节：

Ø  双音音阶下行：第1个音不要太响，轻轻的下键，一个一个的走下去，一个比一个更饱满。遇到大拇指弹的音注意不要出重音（如第3个双音，即第3小节右手第1个音）

Ø  双音音阶踏板设计：从第2个双音开始：P*PPP。

Ø  双音小连线不要突然喘气，只要自然过渡到下一小节即可。

Ø  即使第3小节有Forte你也不能突然之间把人吓死啊！你要一直想着是搀扶着爷爷的。

5.  第24小节起：

Ø  左手不要太响。

Ø  左手重复的音要用拇指、食指交替来弹，要很轻、用指尖，声音很平均，不要只用食指来偷懒。认真监督自己弹出来的声音，重复的音一个都不要太楞。

Ø  不要看谱子！大师一百年前学的了，都不看谱子。要用心、用耳朵跟着音乐走。

Ø  双手：24小节结束，抬手，25小节开始。

Ø  第24、25每个小节右手的32分音符部分，注意监督自己弹出来的声音，不要太楞、要均匀。

Ø  24右手第3个音：用5指，再换4指，因为它是一个高点，5指弹出来比4指声音亮。

Ø  24左手第3、4组重复音型：都用3指弹，因为上面有拇指延留音。

Ø  24从写cresc的地方才开始渐强。

6. 第38小节起：

Ø  注意根据和声安排踏板踩法：在正拍上的32分音符上踩，而不是按照连线来踩。因为前面的32分音符和后面的两条小连线是在一个和声里的，到下一个32分音符的时候换踏板。

Ø  从和声学上来讲，这里是从不和谐到和谐，是一个“解决”。

Ø  我听大师弹，对32分音符都稍稍有点儿强调。

Ø  竖琴的感觉。

Ø  走到40小节，左手那个和弦不要砸下去。

Ø  Calando什么意思？又渐弱，又渐慢，要有逐渐消失的感觉。

第三乐章

1. 最后定演奏速度：二分音符 = 72 （大师觉得76左右也行，但是我觉得太快了，他说我自己就弹得就是那么快的，但我对自己演奏时候的速度不是很清楚，可能演奏的时候需要头脑更清醒）

2. 第1~8小节：

3.  Agitato什么意思？激动、不安的、内心紧张的。这种紧张不是外表的。

Ø  右手比较重要的音：第0小节1个音、第2小节第3个音、第7小节第3个音。

Ø  右手第8小节第3个音改成拇指弹，这样就不用从5指大跳到5指去弹了。被大师笑话了，动动脑筋嘛。虽然谱子上印了指法，但是也要自己思考对音乐连贯性更有帮助、对自己的灵活性更容易的指法。

Ø  左手重要还是右手重要？右手。那左手是不是要控制音量？

Ø  第一句话：1到4小节是一个大连线，4到8是一个大连线。

4. 第16~24小节：

Ø  声音要有立体感，不要楞楞的、平面的。

Ø  按照拍子走，23~24右手没有渐慢。

Ø  16小节第3拍16分音符：音要一个是一个，不要囫囵吞枣。

5.  第26~27小节：右手叫“妈妈”，柔美、润滑。二分音符声音要饱满，有自信。

6.第46小节起：

Ø  注意表情符号，cresc要做好。但是渐强上去之后突然是一个piano，就像开车，开着开着突然遇到一个悬崖，刹住。贝多芬的作品也有这样的情况。

Ø  注意伴奏声部要把3/4拍的感觉弹出来，强弱弱。

Ø  左手注意了之后，不要忘了顾及右手，不要让右手硬邦邦的。不要弹出钢琴调音的声音来。

7.第62~65小节：不同音高上的la-si-la-si，下键抬手不要很轻率，听起来嘻嘻哈哈的，不好。

多想想感觉上的东西，不要一直盯着谱子看。不要死扣一个forte或者piano。要经常问自己：为什么这儿写了一个forte？为什么这儿写了一个piano？应该怎么使用？（这是翻译的话，我的理解是，可能像大师说的那样，不同地方的forte应该有不同的强度吧）。

结束篇

看完这篇上课笔记，小伙伴有没有震撼到呢？欢迎在网站留言，和大家一起探讨你的学琴感悟。同学们不要忘记关注我们，下一期学习笔记更精彩哦~

重要提示：

克劳斯.贝斯勒教授

这位连任14年德国柏林汉斯.艾斯勒音乐学院钢琴系主任，50年从教历史。德国钢琴教育界的泰斗级人物。将于6月来华，抢课请联系艺术留学广场咨询师。

授课时间：6月13日—6月29日